Desde hoy hasta el final del mes publicaremos varios textos relativos a la celebración del orgullo LGBTI. Esta conmemoración busca, en particular, que la actitud de la sociedad cambie. Que exista un sentimiento de verdadera tolerancia entre todxs, y que, posteriormente, este sentimiento vaya más allá y se transforme en sensibilidad, respeto y empatía. Todxs tenemos los mismos derechos.
Luego de un corto silencio, Tonicamo vuelve a la carga con su nuevo disco / Fotos: Dayo Valdivieso y Fernanda Bertero
Ya han pasado cuatro años desde que Tonicamo nos enseñó lo irreverente y desafiante que puede ser el «pop gay», con su disco Mario López y su ocurrente universo audiovisual. Pero el tiempo ha pasado, y la primera era de esta banda quiteña ha llegado a su fin. Con nueva alineación y nuevos conceptos, llega la evolución de Tonicamo: un flamante segundo disco llamado Macho. Un disco que muestra los giros musicales y las nuevas aristas que puede tomar el pop gay en estos tiempos de romper paradigmas. Entonces, ¿a qué suena Macho?
“Todo comenzó cuando estábamos buscando nombre para el nuevo álbum. Le preguntamos a la gente y nos dieron un montón de ideas, pero ninguna nos convencía”. Estas son las palabras de Pablo Dávila, vocalista de Tonicamo, quien nos cuenta que Macho —su segundo disco, que lleva una portada de colores fuertes con predominancia azul— se originó gracias a un post de Facebook.
Portada de Macho / Por: Pablo Pérez Cahuenas y Paola Rojas
“Un día vimos este post en Facebook que invitaba a un taller de nuevas masculinidades. Me interesó y me puse a chequear que en los comentarios del post había un montón de groserías machistas”, dice Pablo, quien afirma que desde su primer disco la banda se ha estado cuestionando estos conceptos con el tema del «pop gay» y todo lo que rodea al mismo. “Pensé en la palabra macho y en la fuerza que esta tiene, su concepto y todo lo negativo que engloba a la expresión”, afirma Pablo.
Sin embargo, aunque la línea gráfica del álbum y su primera canción giren en torno al cuestionamiento del concepto de la masculinidad, el disco va mucho más allá. “Es un álbum des-complicado y pop, no es un disco conceptual, no todas las canciones tienen un hilo y hablan de lo mismo. Nos hacemos preguntas sobre la masculinidad desde posición masculina”, dice Pablo, quien agrega que el disco es una exploración de adentro hacia afuera. “Hablamos sobre cómo les vemos a las mujeres, cómo nos vemos a nosotros mismos y cómo manejamos a estos conceptos”. Sin más que decir, les presentamos Macho.
Macho Camacho
Este es el tema más controversial del disco. Es hablar del concepto de la masculinidad sin censuras. La primera parte del tema es un spoken word de los comentarios que salieron en el post en el que se inspiró Tonicamo para hacer el álbum.
“Cuando escuchas la canción tú piensas que estamos apoyando a estas expresiones machistas”, nos cuenta Pablo, quien afirma que todas y cada una de las frases dichas en la introducción del tema son literales, de gente real que escribió ese tipo de comentarios. «Decimos cosas como: ‘Si no te gusta que te toquen en el transporte público, consigue un auto’, ‘Larga vida al patriarcado’ y ‘Orgullosamente Macho”, comenta Pablo.
Por su contenido explícito, Tonicamo se vio en la obligación de enviar un comunicado explicando que lo que se decía en el tema eran comentarios machistas de personas ajenas a la banda. “La idea no es de ponerse en una especie de un podio moral. No es para decir nosotros somos mejores porque hablamos de estos temas”, dice Efrén Astudillo, quien explica que el propósito de haber construido el tema de esa manera es otro.
Pablo dice que la canción habla de ese momento en el que aceptas que hay una parte machista dentro de ti que es difícil de sacar. “Odio esta parte de mi, que está tan dentro de mí”, dice un verso de la segunda parte de la canción. Las mismas explican cómo el machismo está tan arraigado en uno mismo que hay veces que pasa desapercibido y que cuestionarse por tan solo un momento sobre esos comportamientos puede llegar a destruir este concepto del “Macho”. Como dice la letra, “no voy a actuar como tú esperas que actúe”.
El maquillaje y el brillo son los elementos más importantes de la parte gráfica del disco. Toda la dirección de arte detrás del disco está formada por mujeres, quienes hicieron que el álbum siga una línea gráfica que rompe conceptos y cuestiona a la masculinidad.
Samuel
Después de «Macho Camacho» nos tomamos un “respiro” para pasar a un tema más descomplicado y ochentero, lleno de sintetizadores. Sin embargo, detrás de este tema bailable pop se esconde una historia del fin de una relación, de extrañar a esa persona, a su piel y a su perro llamado Samuel.
«Samuel» cuestiona las relaciones tóxicas, una forma diferente de nostalgia. “En la letra decimos: ‘hoy me hablas de posesión, hoy porque te conviene’. Aquí entra de nuevo este machismo arraigado del que hablábamos antes. Hemos tenido relaciones con chicas que son muy feministas pero que al momento de la relación muestran otra cosa. Tu puedes ser celoso, puedes celarme y sólo yo puedo enojarme cuando hablas con otras chicas”, dice Pablo.
La canción cuestiona al feminismo desde la parte masculina. Pablo menciona que “es difícil cuestionar, y es un tema sensible esto del feminismo porque nosotros estamos de acuerdo, pero tampoco puedo decir somos feministas porque somos hombres, y como hombre tienes privilegios. Además de que no puedes asumir una lucha que no es tuya y eso es algo que entendemos. La idea es cuestionarnos estos temas dentro de uno mismo, de cómo hacemos las cosas y cómo manejamos esto dentro de nuestras relaciones”, afirman Pablo y Efrén.
Michael Cera
“Michael Cera”, como el nombre actor y comediante canadiense, es la tercera canción del disco de Tonicamo. Fue la última que produjeron y una de las primeras en salir al público. “Justo venía C. Tangana y nosotros íbamos a abrir el concierto entonces comenzamos a jugar con el nuevo sampler, buscando ritmos urbanos y así es como nació Michael Cera”, dice Efrén.
La canción hip-hop, de coro pegadizo y voces auto tuneadas, no podrá salir de tu cabeza. La letra habla sobre extrañar, de “la paranoia de estar lejos, imaginando que conoces a alguien nuevo”. Aunque en general la canción habla sobre una chica con la que uno de los integrantes salía y que se fue a vivir en otro país, “Michael Cera” mezcla muchos temas e historias variadas de los integrantes de la banda.
“Hay una parte en la que hablo de las abejas. Estaba en mi clase, y no se por qué, pero ese día había un montón de abejas y yo les tengo mucho miedo. Mi profesor sacaba las abejas por la ventana y después entraba otra y otra, la historia se repetía. Era como una película de terror”, cuenta Efrén, quien menciona que dentro de la canción incluyó también una microhistoria del tatuaje que se hizo cuando se perdió su gato.
Pablo y Efrén mencionan que al principio esta era una canción que no les convencía del todo, pero que conforme la fueron escuchando se convirtió en una de sus favoritas.
Si te vuelvo a ver
Con “Si te vuelvo a ver”, volvemos a entrar en el tema de las relaciones conflictivas. La canción compuesta por Ernesto Torres y Pablo Dávila es una canción de amor/ desamor que, aunque parece ser inocente, es un retrato bastante oscuro sobre la parte tóxica de las relaciones. “Es sobre un amor obsesivo. Tanto que el man termina asesinando a la chica. Aunque es algo ficticio, tiene cosas reales, cosas como decir: “ándate, te dejo la puerta abierta, pero espérame, no te irás sin mi”, nos cuenta Pablo.
La canción electro pop habla con los sonidos, los coros enfatizan ese sufrimiento y el drama que hay detrás de este romance dañino. Cada uno escribió una estrofa haciendo énfasis de ese sentimiento de no querer estar con nadie más que esa persona. De una obsesión, de perseguir a ese amor “hasta agotar tu último aliento”.
Silicone Love
Desde el inicio de “Silicone Love”, sabemos que estamos a punto de entrar a una fiesta auditiva. “Con Silicone Love se dio mas o menos la sonoridad del disco, era como una ruptura con lo que se estaba haciendo con Mario López y sobre todo cuando se nos ocurrió meterle los “Orchestral Hits” surgió la idea de meterle esos tipos de sonidos que tiene la canción”, dice Pablo.
“La previa es mi condición para atravesar la puerta, me mezclo en ruido y gente bien”. La canción habla sobre las fiestas en general, sobre los compromisos sociales. “Es de la necesidad de ese lubricante social y de toda la hipocresía que hay, como dice la letra —’hablare mal de ti a tus espaldas’—, y la cuestión de siempre querer agradar socialmente”, dicen Efrén y Pablo.
“No queda tiempo para el Love, ¿por qué no bailamos los dos?”, dice la canción que habla sobre dejarse llevar por esta máscara que la gente se pone en las fiestas, en estos lugares en donde muchas veces la gente pretende ser alguien más para poder ser aceptado.
Microonda
Microonda fue la primera canción que salió de “Macho”. La idea de la parte musical de la canción surgió cuando Pablo regresó después de haber visto a LCD Soundsystem en el Estéreo Picnic. “Queríamos hacer una canción que suene como ellos, aquí teníamos una línea definida de cómo deseábamos que suene el tema y después le añadimos la letra”, dice Pablo.
La canción cuenta una historia de amor en el fin del mundo. Habla de cómo al final ya no queda nada “Buscaste el sentido de todo y hoy solo se extingue tu voz”, dice el tema. “Cerati decía que realmente sus letras no tienen mucho sentido, que solamente buscaba la sonoridad de las palabras, la musicalidad que estas tienen, y en el caso de Microonda, eso es lo que hicimos, dar un paisaje de lo que pasa”.
Buprexx
Buprexx es una de las pocas canciones del álbum hecha con un piano real, porque las demás tienen muchos sintetizadores y sonidos más digitales. La canción se basó en una relación de uno de los integrantes. “Habla sobre una relación inestable, tóxica y de montaña rusa, es sobre esta historia que se repite y se repite”, dice Pablo.
Mientras hacían Buprexx, la banda perseguía esta idea de tener “un intento de coro góspel” en la canción. “Sólo quedará la duda, si a pesar de todo puedes mentirte más”. Esta es la frase del tema en el que los sonidos y las voces hacen énfasis, haciendo que podamos vivir ese sentimiento de estar en una relación dañina y de cierta manera frágil.
Transparente
“Transparente” funciona como una canción de transición. Después de los sentimientos que nos entrega «Buprexx», “Transparente” nos prepara para lo que se viene en la segunda mitad del disco. “Es la canción más bonita, es la más diferente del disco y la que te refresca después de haber escuchado la canción más heavy”, dice Efrén. La canción tiene un piano real y ciertos elementos interesantes como una marimba, un requinto, guitarra acústica y eléctrica.
“Estábamos con las vibras de la música de la película “Call Me by Your Name”, y Ernesto ya tenía hecho desde antes esta melodía cantada que dice: “Tu amor es transparente”. Después comenzamos a completar las letras y los sonidos en base a esto”, dicen Pablo y Efrén. Esta es la canción más corta del álbum, dura menos de dos minutos y muchos de sus versos son el producto de una fusión entre los poemas de Alejandra Pizarnik y las letras de los Tonicamo.
Enredes (ft. Marley Muerto)
«Enredes» es una canción que habla sobre las redes sociales. “Es una canción sutil, no estamos siendo tan directos, hablar de cómo estas expuestos, pero no es una critica directa, porque todos estamos en esto”, dicen Pablo y Efrén. “El placer de la aprobación instantánea te encantará” es una frase de la canción en donde se refieren a cómo vemos a los likes como un tipo de trofeo.
Aunque no es una crítica, la idea de la canción fue hablar de las redes de una manera satírica. “Decimos cosas que son verdad, que a todos nos gusta y que no es necesariamente negativo. Es algo que es parte de nosotros”. El ritmo de la canción y las voces robóticas nos envuelven en un ambiente digital en el que se puede navegar a través de estos clics del mundo detrás de la pantalla.
Se me hunde el barco
“Se me hunde el barco” es una canción que toma su título de una frase de la serie animada argentina para adultos, “Alejo y Valentina”. La canción es sobre los excesos y las ansias. “Habla de un par de fin de semanas que nos pasamos con los traguitos. Es sobre el día después de haber salido de fiesta, hablamos de los chuchaquis y de algo que se repite y se repite porque se te vuelve a hundir el barco”, dicen Efrén y Pablo.
La letra es muy clara, habla de este auto sabotaje y “de la factura que hay que pagar al momento de despertar” después de haber perdido la conciencia una noche más metiéndote en un nuevo lío que no puedes controlar.
Vidrios
¿Dónde está tu boca a esta hora? “Vidrios” es una canción de electro pop que habla sobre la lejanía. Habla sobre una relación que se acabo y de cómo extrañas a esa persona. “Estoy hecho vidrios rotos y cuando lastimo corro lejos, muy lejos”. El tema nos muestra esa vulnerabilidad y fragilidad del sentimiento de estar solo.
El vídeo de la canción también nos muestra una parte alejada de esa persona que siente la nostalgia de algo que se acabó y de un vacío que quedó, porque como dice la letra, “somos perfectos estando incompletos”.
Discokette
“All my life I’ve been a sexy toy. Like Maluma I’m a dirty boy”. Discokette habla sobre este personaje que busca sexo. “Esta canción habla sobre el ego, tiene estas partes que denotan que el man es un ‘arrecho ‘ que puede obtener todo lo que quiere como sea”, dicen Pablo y Efrén. La canción es una explosión electrónica en la que nos cuentan la historia de esta persona que vive una vida acelerada, sin poderse controlar.
“Hay una parte humana dentro de todo esto. El personaje, a pesar de tener todo lo que quiere, esta vacío y roto porque no puede estar con la persona que realmente quiere. Usa al sexo como un mecanismo de defensa frente a este hueco que no puede llenar”, afirma Pablo.
Virgo (ft. Letelefono)
Para «Virgo», Tonicamo contó con la participación de la banda cuencana Letelefono. «Como se sentía super sintética, como robótica, futurista, medio cyberpunk, como Blade Runner, yo quería hacer una letra que refleje eso», cuenta Leo Espinoza, vocalista de Letelefono. Para el cantante, esta canción —influenciada por el cantante estadounidense Perfume Genius— apunta, en primer lugar, a un amor creado en un laboratorio. Pero su letra también puede aplicarse a un amor real.
«Me gusta que tenga ese flow. Yo nunca había hecho algo así», señala Leo. La estructura de «Virgo», según Pablo, está dividida en dos partes mayores. La primera sería la lenta y sencilla. La segunda, una sección bailable que se convierte en un caos con el que concluye el disco.
